论钢琴表演艺术，谈谈你对钢琴艺术的理解

1，谈谈你对钢琴艺术的理解

钢琴艺术发展史从某种意义上说就是世界音乐发展史的缩影。从钢琴艺术发展的过程入手，即可通向对整个音乐思维发展的了解。透彻掌握钢琴艺术发展的历史，各种风格的创作特征，各个作曲家的思维方式，可最直接地领会到音乐的本质。按当前被普遍接受的西方音乐史的划分，钢琴艺术的发展经历了：巴洛克风格时期、维也纳古典风格时期、浪漫主义风格时期、印象主义风格时期，20世纪现代音乐风格时期。某位作曲家的作品被定位在某个时代的某种风格中是有一定根据的，因为我们总是可以或多或少地从每一部作品中看到某种风格经典化了的特征，也就是风格中的“精髓”。比如：平衡、典雅、自然是古典风格的精髓；而浪漫风格则注重色彩，并含有许多主观情感因素。对于演奏者而言，掌握不同时期、不同风格的作品，需要相应地作出不同处理。

因为钢琴可以把音乐融在一起！让你感受到音乐的神圣！这是我的理解！呵呵~！

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2，钢琴是一门怎样的艺术论文

任何一个钢琴演奏者的成就，从综合的角度来看，都是艺术修养的一种体现。而艺术修养包括了演奏的技术修养和文化修养这两个方面，二者相辅相成，缺一不可。纯正的音色，流畅的旋律，要靠技术获得，而各种技巧的表现又不是机械的，是有感情、有生命、有内容的。辉煌的技术是钢琴演奏的前提，但深厚的文化修养会使演奏放射出更灿烂的艺术光芒。因此，钢琴演奏者应努力培养深刻的艺术感染力、洞察力，提高自己的艺术修养，开拓修养的范畴，广采博收，厚积薄发。这样，钢琴演奏者才能做到用“他山之石”以攻自己的“艺术之玉”。音乐技能和专业技术的修养专业技术是每一位钢琴演奏者最关心的问题之一。钢琴教育家应诗真曾指出：“钢琴演奏技术是从属于音乐表现的，是手段；但同时它又是非常重要的。没有它，想完美地表现音乐形象就成为一句空话。”由此可见，技术既从属于音乐，又有其自身的价值和意义

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3，钢琴怎么分辨呼吸

“呼吸”在钢琴演奏中的重要作用（一）正确合理的呼吸有助于消除演奏中的紧张情绪在钢琴演奏中，身体各部保持松弛，避免紧张，是获得良好演奏效果的重要条件之一。钢琴演奏中的“心理紧张”，探其究竟是由于呼吸不当造成的，我们弹奏钢琴时，是通过肌肉活动来完成的，而肌肉活动又需要氧气，呼吸不正确时就会紧张、缺氧，造成肌肉发酸、手臂僵硬。缓慢、绵延的呼吸对于紧张情绪的缓解和肌肉的放松有着积极的作用，让我们在演奏中把气息放下来，气沉丹田，全神贯注的专注于音乐的发展而不是局限于紧张的心理情绪中，使音乐松弛、流动，充满意蕴和生命力。钢琴家享利·涅高兹在《论钢琴表演艺术》中说:“钢琴弹奏最困难的就是弹得很长久，很响亮，而又很快”。要做到久、响、快，放松是关键。如果演奏者在演奏中不能正确的呼吸，就会影响到放松，演奏也就不能顺畅地进行下去。因此，要做到放松，正确合理的呼吸是非常重要的。（二）正确合理的呼吸有助于演奏中的音乐表现呼吸运用的正确与否，对于演奏中的技艺表现、音乐情感表现、优美音色表现等都起着决定性的作用，它在准确表达音乐的风格方面也起着不可忽视的重要作用。我们常常只是强调用触键方式、情感处理和踏板运用来刻画作品的风格，而往往忽视了“呼吸”的作用。钢琴演奏中的呼吸，应根据乐曲的不同情绪、风格、句式而进行调整，以充分表达音乐的气息为目的。如弹奏巴赫作品，要十分注重结构层次的均衡性、旋律线条的歌唱性和音乐表现的即兴性及装饰性处理。在演奏时强调以轻微简捷的手指弹奏和轻盈的手部动作为主，这就要求在气息上要做到有控制、有层次的呼吸，特别是多声部、多层次的气息、呼吸和分句。实际上掌握了巴赫作品多层次气息的处理，就等于掌握了一把开启巴赫音乐的钥匙。又如演奏浪漫主义钢琴诗人肖邦的作品，肖邦的音乐十分精致讲究，他的音乐要求触键优美匀称、深而有共鸣，音色变化细腻，踏板运用巧妙、富有丰富的色彩明暗对比。在气息运用上，也应该用有节制的呼吸，来表现他清纯、高贵甚至是含蓄的热情。但同时肖邦的音乐又极富歌唱性，在弹奏长气息的乐句时，其自然呼吸仍应以“悠句细缓深长”为基础。在钢琴演奏中，针对不同的音乐作品作出不同的呼吸处理，是让音乐表现更加准确的重要手段。（三）正确合理的呼吸有助于更好的塑造音乐形象钢琴演奏是要通过演奏者运用各种技巧手段，把作曲家作品中所包含的深刻的内心活动、思想感情、特定的音乐形象和作曲家的心情等等，正确地、有创造性地表达出来。演奏者也是“二度创作者”。人体的呼吸与音乐的表现内涵、旋律句逗、触键力度的大小、触键力度的深浅等要素相互贯穿，在演奏作品时，要根据内容需要，选择合适的弹奏方法和呼吸方法，这样才能更好地塑造作品的音乐形象，如要塑造华丽、伟大、强而有力等音乐形象时，呼吸应稳健沉着，腰部要有强有力的支持，身心激发出一种由外到内的张力，利用这样的气息状态去凝聚指尖与键面的接触点和爆发点。拥有这种的呼吸，辉煌的乐音才能在豪放如风的力度中真正体现出来；反之，塑造一个抒情柔和的音乐形象，在演奏时则应让呼吸深而缓慢地随律动平稳进行，在一种平心静气的气息中，悠然刻画出婉约如水的音响色彩。使人完全沉醉在音乐的意境之中。望采纳

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4，弹钢琴注意的问题

越要做到掌握钢琴演奏中各种复杂的技巧，在音乐的强弱、速度处理游刃有余，需要很长一段时间的练习，而在这一练习过程中，“松驰”是所有技巧中最难把握的一种。对儿童而言，松驰是一种看不见、摸不着的感觉，我们更多多地只能通过听觉来感受：强奏时饱满、宏亮、有力；弹头奏时优美、柔和、安静；快奏时清晰、均匀、生动；慢奏时悠远、高贵、细致。笔者就儿童在钢琴学习中对松驰的把握这一问题谈谈自己的看法。一、什么是松驰松驰是针对紧张而言的，它的最高体现应该是自然。通俗地说，是在演奏者的手指落键后，能立刻找到放松的感觉，手指还保持在键上，但指尖部位的肌肉及手臂已处于弹性状态，而不是死压在键上，指尖只要恰到好处地把琴键保持在键盘的“底”上就够了，这样钢琴的音色就能比较优美。许多儿童刚开始学琴，整个人都容易僵硬，连脖子、肩、腰都处于紧张状态；有些儿音的大臂、小臂、手腕不够放松，特别是键时用手腕去敲打；还有些儿童手指之间靠在一起，不是大拇指伸得很直，就是小指太弯曲，这些都是不自然的表现。二、怎样体会松驰我们知道，在音乐中没有绝对的放松也没有绝对的紧张，应该是松中有紧，紧中有松，恰如其分地表现它。儿童初学时可以做这样的练习：坐在钢琴前，将一只手慢慢抬高，高过头顶，像物体下落一样毫无拘束地将一只手指落在琴键上，发出声音。每个手指都可以试，手指落键要立稳，这样的练习可以放松手臂，更可以在潜意识中促进儿童对松驰的认识。通过前面的练习放松手臂后，我们还需要放平手腕，并把手腕放到尽可能低的位置。这样由高到低，重复多次练习，最后在高处位置上时，以平衡的动作用手腕将整只手向上“带离”琴键。通过每个手指这样反复地练习，相信可以使儿童的手臂、腕、、手指获得一定的灵活性，并得到一定的放松。伟大的钢琴家享利.涅高兹曾把整只手（从肩到指尖）形象地比作一座“桥”。“桥”的一端固定在肩关节上，而另一端则固定在接触键盘的指尖上。“桥身”是灵活而有弹性的，而它的支柱却是牢固稳定的，当“桥身”向上、下、左、右方向摆动旋转时，按住琴键的手指却始终不放开，这样就可获得良好的松驰感。三、如何练习松驰钢琴家享利.涅高兹在《论钢琴表演艺术》中说：“钢琴演奏最困难的就是弹得长久、很响亮而很快”。要想达到久、响、快，松驰是关键。那么，在学习钢琴的过程中如何练习松驰呢？ 1、协调整体动作。儿童在练琴过程中容易对自己放松要求，特别是初学者，弹错动作自己不一定知道，作为教师和家要经常观察并提醒他们，使动作准确，到位，协调好整体动作。首先要注意肩关节，肩关节的僵硬会引起背部、颈部的酸痛，要达到手臂在键盘上左右移动自如，肩关节必须放松。儿童可以通过一些远距离的跳动练习来放松手臂，同时采用长音值的乐曲来研究键盘的深度，分辨力量如何从肩部流向指尖到琴键。其次是腕关节，在腕关节上盲目使力，会使音色变得难听，儿童可以做一些连音和跳音的对比练习来感受使用腕部力量的区别。第三是指尖和掌关节的训练，也就是高抬指练习。儿童手较小，手指较软，在训练过程中，抬反映动作要适度不要过分，重在指尖角键力量集中，而不强求力度。2、慢练与精练。在初步体会到松驰地弹奏钢琴而演奏者还没有将之熟练成一种技巧时，快速弹奏会使儿童谈忘了松驰的感觉，只有反复地慢练，在练习中不断地体会，不断倾听松驰还来的优美音色，使松驰的感觉始终贯穿于整个弹奏过程。钢琴弹奏中会经常遇到较难的指法，比如上移指、下移指、流畅的指位变换和大拇指在黑键上的练习等等，这不是一朝一夕能完成的，需要多次重复慢练，或将某一重点、难点练至放松自如、流畅连贯。 3、注意呼吸的运用。钢琴演奏者良好的呼吸有利于全身肌肉的放松一两臂下沉触键。。有失在演奏快速乐段时，呼吸会变得很紧张，或是大喘气或不喘气，这样会导致演奏者手指受牵制，出现弹错音、节奏不稳现象。儿童在平时的练琴中，要经常注意呼吸问题，在乐曲中要有意识地找出适当的气口，可以二小节或四小节呼吸一次，主要的目的是保持均匀，从容而有节奏地呼吸，保证乐曲节奏稳定、声音平均、节奏准确。四、区别松驰松懈与紧张的关系儿童往往不容易理解松驰的要求，认为松驰就是松懈，放在钢琴上的手是塌的。这样会影响力量的控制，不但没有力度，也不会有美妙的音色。松驰区别于松懈，就说明它有紧张的一面，即有合理的松，又有必要的紧张，松驰就是为了达到这种合理的松紧的准备，整个人体在弹奏过程中无不进行着这种松紧交替，这是一对因同一目的而联系在一起的矛盾。松驰不是目的，是为了更好地用力，即合理的紧张。钢琴理论家杨汉果在讲到紧张与松驰的关系时，曾富有情趣地比喻“不要害怕必要的紧张，如果你要在钢琴上演奏最强音fff，就要像一个举重运动员举起杠铃那样用力；如果你要演奏柔和dolce，应该像舞姿优美的舞蹈演员。希望你早日成功

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5，对钢琴艺术的理解

　　钢琴，这件从十八世纪以来有着几百年历史的“乐器之王”，在它的发展历史上诞生了多少著名的音乐家、演奏家、作曲家、教育家，也许你能说出一大串他们的名字和故事：巴赫、莫扎特、车尔尼、贝多芬、肖邦、德彪西等等,但是，它总是离人们那么遥远,神秘和高不可攀。笔者从小学习钢琴，在此想略谈一下自己对钢琴演奏方面的几点看法。　　一、钢琴弹奏的技术问题　　钢琴弹奏的技术主要是指：人的肢体经过训练后所具备的在钢琴上弹奏出构成乐曲乐音的能力。能力，可概括为局部的灵敏、灵活、独立、力量、速度、反应以及对所有这些方面的控制自如。整体上，则是完美地协调、配合的关系。技术的要求甚多，如触键、指法、踏板……要想成为好的钢琴家，首先要做到的是十个手指能够干净利索、坚挺有力地在钢琴上飞驰，十指乃演奏钢琴最直接最敏感的部位。因此，十指的力量、灵敏、速度，以及千变万化的触健方式和控制能力，是基础的基础。　　触键是表达钢琴音乐极其重要的课题之一。触键的不同，会引起音色和音量的千变万化。触健的手法是多种多样的。有用单指、多指，甚至用整个拳头来弹奏的；还有由无声按键到发出多种不同力度的声音……等等。触键有垂直触键与水平触键，可称做手指动作的“阴、阳两法”。垂直触键为阳，为刚，以发力之结实、直接、迅捷、有力为根本。水平触键为阴，为柔，以触键之轻滑、推摸、水平柔美为要领。　　另外，触键还有三种基本的方式：连音、非连音和跳音。触键速度的快慢与这三种基本触键有着密切的关系。弹连音时一般触键最慢，如肖邦的e大调练习曲，曲子的表情记号注有“legato”,要采用连音的触键法，手指触键的速度比较慢。弹非连音时速度就要快一点，如贝多芬的《热情》奏鸣曲的第三乐章的最后变奏，要求手指的触键速度要很快，力度集中在手指尖，要弹出漂亮的非连音来。弹跳音时速度是最快的，如维拉·罗伯斯的《小丑》，要轻巧的弹出调皮、滑稽的情绪。不同的触键法奏出来的音色和音量都是不同的。在钢琴作品中，有不少乐曲除了主题之外，还蕴藏着次要的旋律。演奏者要首先正确地掌握和运用不同的触键法，才能奏出乐曲中所需要的不同的音色，使乐曲的层次分明，风格突出。　　音乐是声音的艺术，要把钢琴这种没有文字的声音艺术语言化，让听众觉得生动易懂，就必须在触键上狠下功夫。音色和音量的种种变化，犹如朗诵诗歌时的抑、扬、顿、挫，它能恰如其分地抒发和传递各种不同的思想感情，同时还可以起到文字所无法描述，但令人回味无穷的效果。弹奏技术占有关键性、提前性的地位。没有技术，音乐内容的表现只是一句空话。但钢琴演奏中技术的运用必须服从于音乐作品的风格和思想内容的需要，学习技术是为了更好地表现音乐。　　二、对钢琴音乐风格特点的把握　　只要是音乐，它就有风格。　　钢琴艺术发展史从某种意义上说就是世界音乐发展史的缩影。从钢琴艺术发展的过程入手，即可通向对整个音乐思维发展的了解。透彻掌握钢琴艺术发展的历史，各种风格的创作特征，各个作曲家的思维方式，可最直接地领会到音乐的本质。按当前被普遍接受的西方音乐史的划分，钢琴艺术的发展经历了：巴洛克风格时期、维也纳古典风格时期、浪漫主义风格时期、印象主义风格时期，20世纪现代音乐风格时期。某位作曲家的作品被定位在某个时代的某种风格中是有一定根据的，因为我们总是可以或多或少地从每一部作品中看到某种风格经典化了的特征，也就是风格中的“精髓”。比如：平衡、典雅、自然是古典风格的精髓；而浪漫风格则注重色彩，并含有许多主观情感因素。对于演奏者而言，掌握不同时期、不同风格的作品，需要相应地作出不同处理。　　复调性是巴洛克钢琴音乐的重要特点，尽管每位作曲家复调性的程度不同，但不论演奏巴洛克时期哪一位作曲家的作品，严格的复调训练都是基础的基础。复调音乐由几个并行不悖的线条构成，一般不分主次。即使有突出，也仍保持几个声部的独立进行。在大多数巴赫的作品中，自由声部中暗藏着富有情感化的乐句。不容置疑，主题是集中的，凝练的，在短小精巧的乐句中包藏着最丰富的对比与信息量。因此，在演奏巴洛克风格的作品，尤其是巴赫的作品时，不宜孤立的强调其中某一个因素。而要致力于尽可能地解释每一个细节中有意义的方面。在他的作品中，除极少例外，巴赫几乎不在手稿上注明乐曲的速度、力度、表情等等记号。演奏家由此获得极大的自由，允许在总体风格的范畴内，作出种种创造性的解释。总之，演奏巴洛克音乐，应当树立起“使每个音符、每个线条都歌唱”的基本概念。要使每个声音典雅高贵，置于小心的控制之下；又使每个声音清晰连贯，纳入延绵的呼吸之中。　　而弹奏古典时期海顿、莫扎特的作品时，个人感情应稍微收敛，触键以清新细腻为主，音乐充溢着健康、明快、幽默、热情和乐观的气氛；音乐语言通俗易懂，朴素亲切，不乏深邃的感情，力求营造一种彬彬有礼又不张扬的整体效果就十分符合人们对古典音乐的欣赏习惯。正像莫扎特1781年9月给他父亲的信中所说：“因为感情——无论是否激烈——永远不可以令人厌恶的方式表现，所以即使在最惊心动魄的场面中，音乐也永远不能引起耳朵的反感，而仍应当令人入迷，换句话说，要始终成为音乐。”这就是莫扎特的音乐。　　浪漫主义时期的音乐家们，更多地挖掘和发挥音乐更多方面的表现性能，在形式上无拘无束，从题材到具体表现手法都有革新。在曲调、节奏、和声等方面，都对古典主义音乐作了突破性发展。在旋律上，更富于歌唱性和抒情性，认为优美的长串旋律线条，比主题合乎逻辑的严格发展更重要。浪漫主义音乐带有强烈主观倾向的情感主义，所推崇的是个人情感最大限度的释放，所以作品更注重表情变化，因而大量使用术语，例如：pastorale（田园的），furioso（狂怒的），garbato（优美的）,nobile（高贵的）等等。在这一时期，诞生了众多伟大的音乐家，德国作曲家门德尔松和舒曼是浪漫时期的中心人物。门德尔松开辟独立的标题性交响曲的天地，创立了《无词歌》的形式，这是浪漫主义标题性、歌曲性器乐小品的代表作。舒曼的音乐语言比较主观，富有诗意和抒情性，虽具有随意性，但结构工整，节奏和织体的处理大胆而新颖。在他的作品中，一切都化成了纯粹的情感，没有任何装饰布景，这些决定了他的音乐创作风格以及音乐评论中的情感美学特征。人们称舒曼是“诗人音乐家”。　　三、钢琴家所应具备的素质　　成为一名真正的钢琴演奏家所要具备什么样的素质呢？这确是一个难以回答的复杂的问题。中国著名钢琴家傅聪的父亲在临别前曾赠给他四句话：第一、做人；第二、做艺术家；第三、做音乐家；最后才是做钢琴家。可以看得出，要想拥有好的音乐，首先心灵要纯净，做有爱心的人，拥有良好的修养和素质，是演奏一切音乐的前提。　　赵晓声先生在《钢琴演奏之道》中提到一位钢琴家必须具备：1、“运动员”的素质，也就是速度、灵敏、力量与持久。2、“诗人”的气质、灵感、想象、梦幻。这些都是发自与内心深处的、自我血肉的一部分。一个真正的钢琴家，他所必须掌握的不仅仅是高超的技术，更主要的是他对音乐的理解和演示，而这就来自于对哲学、美术，文学，历史，戏剧等各种知识的积累和修养的凝聚。3、“建筑师”的形态、层次、线条、色彩。4、数与哲的抽象与升华。这些是赵先生对钢琴家所要具备的素质的最准确和最精辟的总结。　　纵观古今中外享誉乐坛的钢琴演奏大师，无不自幼接受演技方面严格的训练，无不具有浓厚扎实的文学艺术修养。真正的美感是不分民族、不分国界的。笔者认为，以上提到的三点是在演奏艺术上最基本也是最重要的。只要我们给钢琴注入表情、注入生命，钢琴演奏艺术将会在世界艺术与文化的肥沃土壤中枝叶茂盛，果实累累。